気持ちがダメだ

前回のエントリに書いたようなことが頭から抜けないまま、第九の練習へ。体調がすぐれなかったこともあるにはありましたが、気持ちが完全にしぼんでいるのが自分でもわかって、全然練習に身が入らない。なんか、ふわーっと歌って2時間半終わった。
昨日はアルトへのダメだしも少なく(感じた。自分が頑張って歌ってないから、ダメ出しも他人事に感じてたのかも?)、マエストロからは「私がやらなきゃ!なんて思わず、東混(一緒に歌うプロの合唱団)の人に任せて、楽しく一緒に歌う、という気持ちでいいから。ただ、邪魔だけはしないでね。」というお言葉。だから、ガツガツ声を張らず、このくらいのテンションでいいのかも。この低めのテンションに「楽しむ」を加えればちょうど良いのだな。
カンブレも1音抜くなんてもんじゃなく、2小節くらい抜いちゃったり、疲れたら休んだりの感じで歌ってたけど、自分が好きなところとかちょっとした難所の前に思いっきりブレスをして歌うと、なんか充実していいかも、って思った。きっと私たちはこういう感じで和を乱さずに、ってことでOKなんだな。

先生が言うには、そうやって役割分担して抜くとこは抜く、という歌い方がプロの歌い方なんだって。オーケストラの弦も同じくで、アマチュアのオーケストラが下手なのは、全員が全部を弾こうとするからなんだって。なんかでもそれわかる気がする。まあ、完璧にできて、そこから引き算するのがプロであって、できないから参加しないのはただの「できない」なんだけど。そういう話が聞けるのはおもしろい。

今日、往復の電車の中で、SBYOのコンサートの映像をiPhoneで見てて、彼らのすごさは、粒が揃った音をあの大編成で全員がきっちり出してる、ってとこなのかな?って思った。若さと訓練で、それが高いテクニックでできてしまうんだろうな。だから一流のマエストロ達が感動してしまうんじゃないかなー。

きっかけはかなり後ろ向きな発想だったけど、結果的に適度に力が抜けて、当日はいい感じで楽しめるんじゃないかなー。ただ、NYCマラソンのときみたく、ボロボロになってゴールして号泣した1回目と、ボロボロにならないようにきっちりペース配分してある程度の余裕を持ってゴールした2回目との感動の差みたいなのはあるのかな。感動で号泣するには、東混の邪魔になろうが、全部を思いっきり歌って、息も絶え絶えで歌いきるほうがいいのかも?当日どっちになるのかなー?
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# by cello_fumiko212 | 2010-12-15 20:48

グチです

第九の話。
12月にはいってから、マエストロの指導が始まり、1回目はアルトの先生の隣の席で上手くなった気分でご機嫌だったものの、先週の2回目は先生から離れ、ダメ出しを受け、歌わないとOKだったりして、さらに他のパートのときだったけどマエストロから「本番ではプロの人より大きい声で歌わないでね。」とか「本番では歌わないでね。」というご発言が増えるにつけ、だんだんやる気が落ちてきた。元々ダメなことはわかってるんだから、ダメ出しくらいでやる気をなくすってこともないだろ、と思って、なんでだろう?と考えてたら、この話を思い出した。

チェロを習い始めた頃、同じクラスの生徒さんから聞いた話。
知り合いの方だったかがチェロを習っていて、あるアマチュアオーケストラに入り、そこで同じパートの人に「本番では松脂を塗るな。」といわれた、という話。この話を聞いたとき、なんてひどい話なんだろうと思った。松脂を塗るな=音を出すな、という意味です。松脂をつけなけりゃ弦楽器は音が鳴りません。
こんなひどい団にいる意味なんてないし、こっちからお断りだ、と思った。そんな団でやっていて何が楽しいんだろう?と自分が言われたわけでもないのに心の底から嫌な気分でした。

で、気付いたら、自分が入った団もそういう団だったんですね。
最初はそれでいいと思ってましたよ。舞台の上でプロの合唱とオーケストラを聞くつもり、くらいでした。でもそれなりに練習したり録音を聴いたりして3ヶ月。やっぱり本番では気持ちよく楽しく歌いたい。

それで思い出した話がもうひとつ。かつての会社の上司がチェロをされていて、オーケストラで演奏していらっしゃったのですが、10年ぶりに再会したときには既にチェロをやめてしまっていました。伺うと、「そのグループで自分が中の上くらいの位置にいないと楽しくない。」とのこと。確かに、上の上だったら物足りないし、下の下だと辛い。中の上くらいが一番楽しいかもなと。

今の第九の団は、当日プロの合唱団と一緒に歌うんですよね。そうなると私たち素人、かつ初心者の位置づけは最初から下の下で、どんなに頑張っても、多分、下の上くらいしか行けない。と決め付けるのもなんですが、まあ冷静に考えてそういうことです。これが、初心者でもアマチュアだけのグループだったりしたら、まずは頑張って中の中くらいを目指そう、なんて思えたのかもなあ。なんて思ってしまう。いや、今のグループでもそういう心意気でやればいいんですが、当日は歌わないでね、なんて冗談でも聞くと、松脂塗らないで、の話を思い出して嫌な気持ちになってしまう。

せっかくやるなら上手いオーケストラや上手いソリスト、上手い合唱団に混じって国際フォーラムで!という考え方もあるかもしれないけど、私にとっては似合わないブランド物を買っちゃったから無理やり身につけてるような、すごくちぐはぐで滑稽な感じがする。

そんな思いで悶々としていたとき、「1万人の第九」のHPで、指揮の佐渡裕さんの言葉を読んで、涙が出てしまった。
「ガラガラ声でもいいよ。オンチでもいいよ。ひとりひとりのよろこびから生まれる声が大事なんです。」
うわーーーん!こんな先生と歌いたい!
ということで、来年は1万人の第九にする!と決意を固めました。来年も佐渡さんがやってくれるのかしら?来年は母と参加したかったので、座席がある(?ように見える)のも安心だし。

これまた一流の方ではありますが、考え方はきっと全然違うコンサートなんだと思う。来年が楽しみだー!

あ、ちなみに私たちのチェロの先生も、生徒に音を出すな、なんてことはぜーったいに言わないと信じられる先生です。って、そういう発表の場もないですけどね。
今日のレッスンもできないながらにとっても楽しかったです。みんなが一緒に進めるようにペース配分してくれるから、辛くなく、でもちょっと頑張らないと落ちこぼれちゃう、という感じでできるから楽しい。レッスン仲間もいい人ばかりで本当にいいクラスに入れて幸せだなーとしみじみ。
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# by cello_fumiko212 | 2010-12-12 23:48

練習日誌

長らく途切れていましたが、やはりメモは残しておいたほうがいいと反省。
ついでに第九で教わったことも書く。

・スラーつきの時は音を途切れさせずつなげて弾く。途切れると下手に聴こえる。

・スケールを弾くとき、例えばFメジャーなら、耳にはドレミファソラシドと聞こえるが、ファソラシ♭ドレミファと頭の中で音階を言いながら弾く。そうすると先々苦労しなくて済む。
これ、楽譜を楽譜として読めてない私には必須項目だ。で、そうしてみると、どこを押さえるか迷わない。

・Cメジャー=ドレミファソラシド、で、主音のドから5度上がったところ(ソ)から始まるのが、ファに♯がつくGメジャー、そこから5度上がるレから始まるDメジャー(ドとファに♯)、という風に5度ずつ主音が上がっていくと♯が1個ずつ増える。♭は5度ずつ下がると♭が1個ずつ増える、という仕組みなんだそうな。へー。で、このこと知ってると何がいいのかがイマイチわかってないのがトホホだなあ。

・弓先、弓中、弓元を弾く練習の時、弾き始めの弓の位置を変えたいときは休符で弓を戻し、弾き始める前にしっかり弦に置いて止める。

ニューシネマパラダイス
・1小節目、八分音符は弓短く弾く。戻そうとしがちだけど、その必要なし。
・1小節目、シ♭ラソのソが高くなりやすい。(シ♭の時に1を伸ばしてるから、4が遠くなる。)ラの時に、4を下に戻しておく。
・2段目の1小節目は前の小節からタイになってるけど、ギリギリのばさないでちょっと休符が入るほうがいい。
・3段目の1小節目は弾けてる。2段目の最後の小説のダメージを引きずらない。

・ピアノの和音と弾いたとき音が合ってることが大切。


第九
・前にチェロで習った導音のこと言ってた。半音下げて戻るときは下げすぎない。元の音にすごく近い。
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# by cello_fumiko212 | 2010-11-07 17:22

楽しくなってきた

メジャーとマイナーの和音の話。

第4ポジション用の練習曲「荒城の月」の下パートを弾くとき、この曲はマイナーの曲なんだと意識して音を出すのがポイント。同じミを弾くのでも、マイナーの和音のミなのかメジャーの和音のミなのかを意識するだけで同じ音なのに音楽としての響きが違ってくる、という説明だった。
先生の言わんとすることはすごくよくわかる。ハーモニーを意識すれば自分の音が合ってるのかもわかるし、音程をちゃんとするのにも役立つような気がする。何よりも自分の弾いてる音を聴くことにもなるわけだし。

中学のブラバン時代なんて、ハーモニーなんてなーんにも考えず、指揮に合わせて間違わないように楽譜をなぞるような演奏しかしていなかったような気がする。クラリネットパートは主旋律だからそれでいけちゃったんだろうな。2ndや3rdを吹いてたときも全然意識してなかったし、、、だからダメだったんだろうなー。先生にはあたりまえすぎてそんなことはいちいち指導することじゃないって感覚なんだろうけど、そういうこと教えてほしかったよ。

こういう話を聞けるから、やっぱり独学じゃなく先生に教わるってのはいいもんだ、と思える。
そして、バリバリのビギナー時代からアンサンブルができるグループレッスンもすごくいいな。

昨日、家で練習しているときに気づいたんだけど、右手がちょっと楽になってきた気がする。収まるところに収まってる感じ。ちょっとホッとした。1年かかったわけだな。

そして今日のレッスンでは4ポジもちょっと楽になった。こうしてちょっとずついろんなことが楽にできるようになっていくといいなー。

発表会の曲の練習では、先生に「下パートつけてあわせたときに曲が立体的に聞こえるようになった。」と褒めてもらった。みんなでちょっとずつ上達してるんだね。これもグループレッスンのいいところだな。がんばろー。
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# by cello_fumiko212 | 2010-04-04 17:36

発表会に向けて

しばらくブログを放置していましたが、チェロレッスンは続いています。
今月でちょうど1年経つのかな?今のところ飽きるどころか1週間で一番楽しみなのがチェロレッスンです。(と今日しみじみと思いながら帰ってきました。)

発表会をするそうです。同じ教室の同じ先生のクラスの生徒さんたちでってことみたいです。
曲も決まっているので後は練習あるのみ。といいつつ、家でチェロをケースから取り出すのは多くて週2回。通常は週1回。
ケースから取り出すのが面倒なんですよねー。とはいえスタンドを買って出しっぱなしに、というわけにもいかないし。ピアノみたく蓋を開けるだけならいいのに。

発表会の曲はバッハのMarch in G。4人で同じパートを弾けばよいので、責任も1/4だからね。と先生が勇気付けてくださいます。先生が下(?)パートを弾いてくれるそうです。
先々週だったかな?先生の奥様(ピアノの先生)がレッスンの見学にいらっしゃり、伴奏をつけてくださいました。おおー!なんだか曲らしく、バッハらしく聞こえて嬉しかった。

相変わらず身体のあちこちに変に力が入り、長時間(て1時間。笑)練習しているとどうにかなりそうです。身体が後ろに引けてしまう。右肩が上がってしまう。肘を動かすのが正解みたいなんだけど。いつの間にか自然に弾けるようになるかと思ったけどダメですねー。

March in Gの注意点。
・マーチだからリズムに乗って弾こう。最初は大げさなくらい弓を大きく使って。
・2/2拍子を意識して。1小節に四分音符4つだけど、4/4じゃないよ。この違いを出すことが大切。
・八分音符は弓を細かく使う。四分音符の半分よりももっと細かくてよい。
・一箇所出てくる#の音、これだけははずさずに!

最近の悩みは4ポジ。曲では使わず、練習でちょっとだけ弾くんだけど、小指の長さが足りないんです!もー、右肩左肩ガチガチ状態。辛すぎる。

4ポジの1はひとつ上の開放弦と同じ音になる。ぴったり音が合うと弾いてない隣の弦が共鳴して振るえる。先生が見せてくれた。本当に弾いているとき見たくブルブル震えてる!不思議ー。
でも、自分でも1ポジの4の音がひとつ下の開放弦とオクターブで同じ音なのでなんとなく共鳴している気がしていた(多分本当にさわっちゃってるのだとは思うのですが。。。汗)のですごく納得。すごい楽器だなー。
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# by cello_fumiko212 | 2010-03-14 21:41